Genres cinématographiques

Genres cinématographiques

L’industrialisation du cinéma a également donné naissance aux conventions dites de genre, et donc aux genres cinématographiques eux-mêmes. Le premier cinéma était documentaire : des scènes d’ouvriers sortant des usines et d’autres choses de ce genre. Mais le cinéma documentaire en tant que tel n’est né qu’en 1922, avec le film Nanook the Eskimo. Bien que jamais trop populaires, certains classiques seront filmés de temps en temps, comme Le monde sous-marin de Jacques Cousteau.

Tous savoirs du cinémas

Le cinéma historique et biblique, d’autre part, marcherait main dans la main dans la recherche du spectaculaire. Des films sur la vie du Christ ont été réalisés depuis l’antiquité (par exemple, De la crèche à la croix (1912). Cependant, le cinéaste qui a donné la vraie nature au cinéma historique ou biblique était Cecil B. DeMille, avec des points de repère tels que Les Dix Commandements (la version originale de 1923 et le remake de 1956), King of Kings (1927) ou Cleopatra (1934). Un autre classique vintage est Autant en emporte le vent, sorti après plusieurs aventures en 1939.

Dans les années 1930, le cinéma de gangsters et le film noir sont également apparus comme des jumeaux proches. Le Scarface de 1932 ou Golden Hampa, et le réalisateur Howard Hawks a été l’un des principaux jalons du cinéma de gangsters. Leur succès s’explique par la dose de critique sociale qu’impliquent ces films, sur la situation après la Grande Dépression de 1929. En outre, ils étaient un champ d’expériences formelles avec l’illumination, avec une forte influence des cinéastes européens hérités de l’expressionnisme, dont beaucoup étaient arrivés à Hollywood en fuyant le Troisième Reich alors en ascension. L’acteur le plus associé au genre est peut-être Humphrey Bogart, avec des classiques comme Casablanca, The Maltese Falcon et The Eternal Dream.

Les films de fiction et de science-fiction

Les films de fiction et de science-fiction ont également connu leur propre développement, parallèlement à un élément qui leur est indispensable : le développement des effets spéciaux. Georges Méliès avait déjà conçu une curieuse fantaisie intitulée De la Terre à la Lune, librement inspirée du roman de Jules Verne. Le grand film de science-fiction muet était Metropolis de Fritz Lang (1927), qui a marqué esthétiquement de nombreux cinéastes ultérieurs, mais qui à l’époque était un échec de box-office, coûteux pour les canons de l’époque, et qui a donc relégué la science-fiction au plan du simple divertissement, sans signification intellectuelle, un stigmate qui allait peser sur le genre jusqu’en 2001 : Space Odyssey (1968). Dans les années 1930, coïncidant avec la Grande Dépression et le nazisme, les films d’horreur sont devenus à la mode, avec des classiques comme Dracula (avec Béla Lugosi, réalisé par Tod Browning, en 1931), ou le Dr Frankenstein de James Whale, avec Boris Karloff (1931). Avec ces films et d’autres, Universal Studios a créé l’image moderne des monstres classiques de la littérature d’horreur.

L’arrivée du son a également permis le développement de la comédie musicale, un genre beaucoup plus convivial et encore plus évasif, dans lequel le poids des numéros musicaux et des chansons a prévalu tout au long de l’histoire, et qui a permis à de nombreux danseurs de briller. Les plus importants d’entre eux étaient le duo Ginger Rogers et Fred Astaire. Le grand classique du genre est Singing in the Rain (1952).

Un genre américain typique qui s’est développé dans ces années-là était occidental, en particulier grâce au travail de cinéastes comme John Ford. Le grand acteur occidental de l’époque était John Wayne. Le genre a eu beaucoup de succès aux États-Unis pour la construction d’une mythologie cinématographique nationaliste. Son importance a également été accordée aux films d’aventure et aux films de swashbuckling. À l’époque, le cinéma pirate avait beaucoup de succès. Le héros le plus connu après Douglas Fairbanks était peut-être Errol Flynn (Capitaine Blood, 1935), qui a plus ou moins pris la relève dans les années 1930. Quant à la comédie, son âge d’or a commencé avec les Keystone Cops, les courts métrages fous de Mack Sennett avec des flics, qui ont inventé le concept de gag, dont un classique : lancer des gâteaux à la crème sur le visage des gens. Mais le premier grand comédien a été le clochard sans nom que Charles Chaplin a joué dans de nombreux courts métrages, et plus tard dans des longs métrages tels que The Kid (1921) ou City Lights (1927). Un autre comédien important était Buster Keaton. Plus tard sont arrivés The Fat and the Thin, The Three Stooges et Jerry Lewis.

Le cinéma d’animation

Le cinéma d’animation a été expérimenté dès le début du cinéma lui-même. Dès 1889, Émile Reynaud travaille dans ce domaine et présente en 1892 sa série de courts métrages Pantomimes Lumineuses ; Stuart Blackton crée en 1906 Humorous Phases of Funny Faces, une animation réalisée sur un tableau noir ; le Stop Motion est découvert par Segundo de Chomón (La Maison hantée, 1906 ou 1907) et par Emile Cohl (The Pumpkin Race, 1908), qui travaille également au mélange d’acteurs et de dessins.

Et, bien que le premier long métrage d’animation ait été L’Apôtre (1917), produit en Argentine par Quirino Cristiani, c’est Walt Disney qui a définitivement dynamisé l’industrie du film d’animation, avec les longs métrages Blanche Neige et les sept nains (1937) et Fantasy (1940).

Peut-être le sommet des possibilités du cinéma de l’époque, en termes de langage cinématographique, a été atteint par le film Citizen Kane, par Orson Welles, en 1941. Un film controversé en son temps, il a été reconnu rétrospectivement comme l’un des plus grands jalons du cinéma de tous les temps, et il a ajouté toutes les expériences conceptuelles de l’époque, les routes fermées et ouvertes à d’autres, ce qui explique pourquoi il est régulièrement répertorié et revu comme l’un des meilleurs films de tous les temps.